Скачать через торрент [Журнал-серия] Великие художники. Альбомы 41-45 бесплатно torrent (книга, аудиокнига, журнал, комикс

Сальвадор Дали (1904-1989) - испанский живописец, виднейший представитель сюрреализма. Его картины и рисунки, отмеченные безудержной фантазией и виртуозной техникой исполнения, представляют собой фантасмагории, в которых самым противоестественным ситуациям и сочетаниям предметов придана видимая достоверность и убедительность.

Ещё в юности Дали увлекается идеями анархизма, интересуется современными французскими мастерами, прежде всего символистами, а затем фовистами, кубистами и футуристами, работает в их манере. Переехав в Париж, художник сближается с сюрреалистической группой А. Бретона, участвует в создании фильма «Андалузский пес», вызывающего благодаря монтажу ассоциации, полные гротескного абсурда. Как некие кадры несостоявшегося фильма, запечатлевающие мир снов и галлюцинаций, воспринимаются такие произведения Дали, как «Великий мастурбатор», «Раскрашенные удовольствия», цикл работ, посвященный В. Теллю, вариации на тему картин Ф. Милле и другие. Обращаясь к сфере подсознательного, интересуясь эротикой, неосуществленными желаниями, игрой воображения, Дали стремится объективировать видения (метод «паранойи»), дать тотальное описание безумия. В навязчиво иллюзионистической манере, призванной убедить зрителя в реальности бредового мира, Дали с необыкновенно изощренной фантазией совмещает объекты совершенно разнородные, сталкивает их друг с другом в противоестественных ситуациях. Знамениты образы Дали: расплавившиеся часы, телефон-аппарат с трубкой в виде лангуста, диван-губы, рояль, свисающий словно драпировка, и другие. Использует он и прием «исчезающих образов», которые как бы растворяются в окружающем пространстве. Страх перед непознаваемой действительностью отразился в картинах «Постоянство памяти», «Пылающий жираф». В работах «Предчувствие гражданской войны в Испании» и «Осенний каннибализм» представлены ужасающие мутанты, уничтожающие друг друга. Вскоре Дали ссорится с Бретоном, порывает с парижской группировкой сюрреалистов, объявив себя истинным представителем этого движения. Среди известных картин этого времени - «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» - своеобразная иллюстрация к фрейдизму. Возратившись из США, где он прожил несколько лет, Дали всё более проникается идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для таких его картин 1950-х гг., как «Мадонна порта Льигат», «Христос св. Ионна на кресте», «Тайная вечеря», «Открытие Америки, или Мечта Христофора Колумба». В 1974 году, вложив все свои средства, Дали строит Театр-музей Дали в Фигуэрасе - здание фантастической архитектуры, наполненное картинами и объектами художника. Он и погиб здесь во время пожара, пребывая в полном одиночестве и не желая покинуть дом.

Пабло Пикассо (1881-1973) - французский живописец испанского происхождения, один из наиболее ярких и знаменитых мастеров XX столетия, оказавший большое влияние на художников всего мира.

В юности Пикассо попадает под влияние стиля модерн, которое ещё долго сохраняется в манере подчеркивать силуэты фигур, а также в колористической монохромии. На начало 1900-х годов приходится так называемый «голубой период»: в палитре мастера преобладают голубые оттенки. Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали: движения людей замедленны, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», «Свидание», «Старый нищий старик с мальчиком»). В следующий период, получивший название «розового», появляются сцены дружбы, любования красотой обнаженного тела. Произведение переходного периода - от «голубого» к «розовому» - «Девочка на шаре». В 1907 году Пикассо создает композицию «Авиньонские девицы», в которой сочетаются разные стилистические манеры. Эта картина произвела сенсацию и положила начало многим экспериментам. Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века. В 1908-1909 Пикассо совместно с Ж. Браком, влияя друг на друга, разрабатывают новый стиль - кубизм, ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному пересозданию («Королева Изабо», «Дама с веером», «Портрет А. Воллара», «Дриада», «Фермерша», «Три женщины»). Первая стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической», на смену ей пришла «синтетическая», для которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке объектов. В дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта»). Уже в картине «Художник и его модель» (1914) и в ряде рисунков проявился интерес Пикассо к точным контурам и пластике форм. Через 3-4 года Неоклассицистические и реалистические тенденции становятся явными для всех. Многих это смущает: новатор, соблазнивший стольких художников, вернулся к традициям. При этом в творчестве мастера сохраняется тенденция к одновременным поискам в разных направлениях. Так, в середине 1920-х годах он испытывает влияние сюрреализма - пишет несколько полотен с изображением женщин на пляже, в трактовке форм которых соединяет геометрическую манеру кубизма с подчеркнуто витальными элементами. Откликаясь на события гражданской войны в Испании, художник создаёт грандиозное антивоенное полотно «Герника». В 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира». В 1960-е годы Пикассо пишет своеобразные вариации на темы прославленых картин знаменитых мастеров прошлого («Менины» Веласкеса, «Расстрел повстанцев» Гойи, «Завтрак на траве» Мане и др.). Трактуя их в гротескно-кубистическом стиле, художник дает волю своей неуемной фантазии, убирая фигуры или добавляя вымышленные. Написанные небрежно холсты «позднего Пикассо» представляют любимые им сцены: художник и модель, образы античной мифологии, натюрморты, цирковые мотивы и мотивы боя быков; часто он обращается к женскому портрету.

Андрей Рублёв - русский художник конца XIV - первой трети XV века, создатель фресок, икон, миниатюр; преподобный (канонизирован РПЦ в 1988 году). Имя Андрея Рублёва обросло легендами, а в XX веке - научными гипотезами. Реальные представления о его искусстве появляются после реставрационной расчистки его иконы «Троица» в 1904 году, но в полной мере - начиная с 1918 года, когда были расчищены фрески Успенского собора во Владимире и найдены иконы Звенигородского чина. Из указанных в источниках произведений Андрея Рублёва, сохранились крайне мало: фрески в Успенском соборе во Владимире и знаменитая икона «Троица» из иконостаса Троицкого собора Троицкого монастыря. Андрею Рублёву приписывают также ряд произведений, о которых нет исторических свидетельств.

Андрей Рублёв воспринял традиции классицизма византийского искусства XIV века, которое он знал по работам греческих мастеров, находившихся в Москве, и особенно по созданиям Феофана Грека московского периода (Донская икона Богоматери, иконы Деисуса в Благовещенском соборе). Другим важным истоком формирования искусства Андрея Рублёва является живопись московской школы XIV в. с её проникновенной душевностью и особой мягкостью стиля, опирающаяся на традиции владимиро-суздальской живописи XII - начала XIII веков. Образы Андрея Рублёва в целом адекватны образам византийского искусства первой трети XV века, но отличаются от них большей просветленностью, кротостью и смирением; в них нет ничего от аристократического благородства и интеллектуального достоинства, воспеваемых византийским искусством, зато предпочтение отдается скромности и простоте. Лица - русские, с некрупными чертами, без подчеркнутой красивости, но всегда светлые, благообразные. Почти все персонажи погружены в состояние безмолвного созерцания, которое может быть названо «богомыслием» или «божественным умозрением». Кроме тихого глубокого созерцания Андрей Рублёв иногда сообщает своим образам духовный восторг, вызывающий сияние глаз, блаженные улыбки, свечение всего облика (трубящий ангел во фресках Успенского собора), иногда - высокое вдохновение и излучающуюся силу (апостолы Петр и Павел в «Шествии праведных в Рай»). Классическое чувство композиции, ритмов, всякой отдельной формы, воплощенное в ясности, гармонии, пластическом совершенстве, у Андрея Рублёва столь же безупречно, как у греческих мастеров первой трети XV века. При этом некоторые черты классической системы Андрей Рублёв как будто специально приглушает: округлость формы не подчеркивается, иллюзионистические моменты (например, анатомически верная передача суставов) отсутствуют, благодаря чему объемы и поверхности кажутся преображенными. Это достигнуто приемами, общими для всего искусства византийского круга: лаконичные контуры и силуэты, придающие фигурам невесомость; замкнутые параболические линии, сосредотачивающие мысль и настраивающие на созерцание; тонкие очертания складок одежд, сообщающие тканям хрупкость; световая насыщенность каждого цвета, делающая колорит сияющим. Но качествам, свойственным всему византийскому искусству, Андрей Рублёв сообщает черты, характерные для русского искусства конца XIV - начала XV веков: линии становятся певучими, повороты фигур и наклоны голов - мягкими, одеяния - воздушными, красочная гамма - светлой и нежной. Во всем - отблески гармонии Рая и одновременно - расположенность к человеку, доброта. Творчество Андрея Рублёва определило в XV веке расцвет национальной школы русской живописи, оригинальной по отношению к Византии. Оно оказало огромное влияние на все русское искусство московского круга вплоть до Дионисия.

Марк Шагал (1887-1985) - живописец, график, театральный художник, иллюстратор, мастер монументальных и прикладных видов искусств, выходец из России. Один из лидеров мирового авангарда XX века, который сумел органически соединить в своём творчестве древние традиции иудейской культуры с остросовременными тенденциями. В одном из своих эссе Аполлинер употребил по отношению к искусству Шагала термин «сюрнатурализм».

Свою творческую биографию Шагал начинал в Витебске с картины «Покойник (Смерть)», позднее были написаны «Портрет моей невесты в черных перчатках», «Семья (Святое семейство)» и другие, созданные под влиянием неопримитивистской стилистики. В 1910 году художник переезжает в Париж. Новаторские формальные приемы кубизма и орфизма, усвоенные за годы парижской жизни, - геометризованная деформация и огранка объемов, ритмическая организация, условный цвет - у Шагала были направлены на создание напряженной эмоциональной атмосферы картин. Обыденную действительность на его холстах освещали и одухотворяли вечно живые мифы, великие темы круговорота бытия - рождение, свадьба, смерть. Действие в необычных шагаловских полотнах развертывалось по особым законам, где были сплавлены прошлое и будущее, фантасмагория и быт, мистика и реальность. Визионерская (сновидческая) сущность произведений, сопряженная с фигуративным началом, с глубинным «человеческим измерением», сделала Шагала предтечей таких направлений, как экспрессионизм и сюрреализм. Центральными работами первого парижского периода стали: «Я и моя деревня», «России, ослам и другим», «Автопортрет с семью пальцами», «Голгофа», «Понюшка табаку». После возвращения в Россию в 1914 году Шагалом были созданы серия «документов» из 70-ти с лишним работ, написанных на основе натурных впечатлений, эпически монументальные типажные портреты («Продавец газет», «Зеленый еврей», «Красный еврей»), картины из цикла «Любовники», жанровые, портретные, пейзажные композиции («Зеркало», «Портрет Беллы в белом воротничке», «Над городом», «Венчание», «Прогулка» и ряд других). В 1922 году Шагал переехал в Берлин, обучился новым для себя печатным техникам - офорту, сухой игле, ксилографии, а в 1923-ем - в Париж, где создаёт циклы иллюстраций к роману Н. В. Гоголя «Мертвые души» к «Басням» Лафонтена. В 1927 году возникла серия гуашей «Цирк Воллара» с ее карнавализованными образами клоунов, арлекинов, акробатов, сквозными для всего шагаловского творчества. Иллюстрации к Библии (105 офортов) стали фундаментом огромного цикла, над которым художник работал почти всю жизнь: большое число гравюр, рисунков, картин, витражей, шпалер, керамических скульптур, рельефов, вдохновленных Библией, составили в итоге колоссальное «Библейское послание» Марка Шагала. Гонения на евреев в фашистской Германии, предчувствие приближающейся катастрофы окрасили произведения Шагала в апокалиптические тона: в предвоенные и военные годы одной из ведущих тем его искусства стало распятие («Белое распятие», «Распятый художник», «Мученик», «Желтый Христос»). С мая 1941-го по 1948 годы Шагал живёт в США, где работает в основном для театра. В конце 1940-х гг. Шагал поселился на юге Франции, близ Ниццы. Живописец-станковист, он постепенно все больше и больше работал в монументальных видах искусства, занимался мозаикой, керамикой, шпалерами, скульптурой. На протяжении 1960-70-х гг. им были изготовлены многочисленные витражи для старинных католических костелов, лютеранских храмов, синагог, общественных зданий Европы, Америки, Израиля.

Анри Матисс (1869-1954) - французский живописец, график, мастер декоративного искусства. Матисс работал в разных жанрах и видах искусства и использовал разнообразные техники. Своим творчеством художник стремился выразить праздничную красочность мира в ясных по композиции, выразительных и чистых по цвету картинах, утверждающих красоту и радость бытия, а также в витражах, гравюрах, литографиях. Мир Матисса - это мир танцев и пасторалей, музыки и музыкальных инструментов, красивых ваз, сочных плодов и оранжерейных растений, разнообразных сосудов, ковров и пестрых тканей, бронзовых статуэток и бесконечных видов из окна. Стиль его отличается гибкостью линий, то прерывистых, то округлых, передающих разнообразные силуэты и очертания.

Первые опыты в живописи относятся к 1890-м годам. С 1896 года Матисс начинает выставляться в Салонах, а его первая персональная выставка состоялась в 1904 году. Художник начинает использовать технику дивизионизма - раздельных точечных мазков ( «Роскошь, покой и сладострастие»). В дальнейшем красочная точка заметно увеличивается, цветовая энергия ее возрастает, появляется интерес к «экспрессии» (любимое слово Матисса), красочным ореолам вокруг формы, цветному рисунку внутри живописной композиции, к плоскостности и взаимодействию больших колористических масс. В знаменитом парижском осеннем Салоне 1905 года Матисс выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В 1908 году С. И. Щукин заказывает художнику три декоративных панно для собственного дома в Москве. В панно «Танец» представлен экстатический танец. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Третье панно - «Купание, или медитация» - осталось лишь в набросках. Выставленные в парижском Салоне перед отправкой их в Россию, композиции Матисса вызвали скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки образов. В картине «Красные рыбки» (1911), используя приемы эллипсообразной и обратной перспектив, перекличку тонов и контраст зеленого и красного, Матисс создает эффект кружения рыбок в стеклянном сосуде. Под влиянием живописи О. Ренуара, с которым Матисс знакомится в Ницце, он увлекается изображением натурщиц в легких одеяниях (цикл «одалисок»).. В 1930 году он едет на Таити, где работает над двумя вариантами декоративных панно на тему танца для фонда Барнеса в Мерионе. В процессе создания эскизов Матисс начал использовать технику вырезок из цветной бумаги («декупаж»), которой широко пользовался в дальнейшем (серия «Джаз»). В 1930-1940-е годы Матисс иллюстрирует книги, делает эскизы декораций для театра, много и плодотворно работает с пластикой. Стиль его живописи заметно упрощается; рисунок как основа композиции выявляется все определеннее («Румынская блуза»). В последние годы жизни Матисс работает над сооружением и декорацией «Капеллы четок» в Вансе. Художник крайне скуп на детали, беспокойные черные линии драматично повествуют о Страшном Суде (западная стена капеллы); рядом с алтарем изображение св. Доминика. Эта последняя работа Матисса, которой он придавал большое значение, - синтез многих предшествующих его исканий.